Este corto se podría haber titulado, la Realidad y el Deseo o Cómo romper la rutina que nos acaba enterrando: despertador, metro, trabajo, bar, cama, despertador, metro, trabajo, bar, cama, despertador....la cadena de montaje del más puro aburrimiento. Pero en una de esas tardes tediosas la protagonista acaba conociendo a Baco... y le sigue a su mundo por un túnel caleidoscópico como una Alicia redimida.
El mundo que encuentra contrasta enormemente con el suyo. Allí hay color, música, personajes fascinantes, baile y aventura. Se dice que el que sigue a Baco es poseído y empoderado por el propio Dios.
El corto es sólo el proyecto de unos estudiantes pero el diseño, el contraste, el colorido y la utilización del 2D y el 3D resultan fascinantes.
Esto es lo que tiene la música y la poesía, que juegan con el tiempo y la emociones en base a unos símbolos que son capaces de penetrar intuitivamente hasta lo más recóndito de nuestro ser. El corto es una profunda y transparente metáfora de la vida, desnuda como un aria cuyas notas van puntuando nuestra existencia.
El momento de enseñar o aprender a andar en bicicleta es un momento que repetimos y compartimos todos, bien sea como padres o hijos; pero también es un símbolo de cómo los padres trasladamos nuestra experiencia a los vástagos. ¿Y qué es la vida sino una montaña de momentos de pérdida y esperanza?
La rueda es una potente alegoría del paso del tiempo y de la vida. Así queda reflejado en esos primeros planos que se repiten de la rueda de la bicicleta dando vueltas mientras la hija se va haciendo mujer llegando incluso a ser anciana.
El desenlace es hermosísimo y muy coherente con el diseño gráfico del corto, hecho de sombras, como la vida.
_______________________________________________
M. Dudok de Wit es un director, guionista, animador e ilustrador holandés que ganó el Oscar en 2000 por este corto. Hoy es muy reconocido por su largometraje de animación La tortuga roja (2016), una historia muda sobre un náufrago en un isla tropical desierta, poblada de tortugas, cangrejos y aves en la que, de nuevo, ilumina los leves trazos de la vida humana con la luz de la alegoría. La película contó con la coproducción del Studio Ghibli.
El Limpiaparabrisas (The Windshield Wiper) es el cortometraje de animación con el que Alberto Mielgo ha ganado el Oscar 2022 y hay que decir que es fascinante.
Es un poema visual que pulsa la fibra de las emociones. No hay narrativa, sus imágenes son como trazos o ecos de escenas y conversaciones que se han ido depositando en el alma del director durante sus viajes. A través de esta multiplicidad de historias y escenas el director logra trasladarnos la magia y la tragedia del amor, el cielo y el infierno de las relaciones de pareja, ese duende tan particular y enigmático que es capaz de crear sus propias reglas y tiempos. "El amor es una sociedad secreta" susurra finalmente el protagonista del corto.
Como bien ha dicho Mielgo en alguna entrevista ¿Quién no ha estado en una playa echando un cigarro el día antes de romper una relación? ¿Quién no se ha arrepentido de haber dejado a una persona o quién no ha tenido depresiones?. Pasión, tristeza, dolor, vacío y ternura atraviesan el corto como si fuesen descargas eléctricas.
Creo que tanto el tema como el desarrollo del corto retratan esta época de pandemia y obligado retiro que nos ha conducido a mirar en nuestro interior. Se trata de un corto muy personal y es fácil imaginar a Mielgo encerrado en su estudio con el ordenador y los pinceles mientras abría la puerta de su imaginación a recuerdos y evocaciones relacionados con el amor. Recordemos que tanto el guión como la dirección, el sonido, el montaje y el arte pictórico son suyos; por lo que estamos ante una obra profundamente personal que reflexiona sobre el amor hoy en día.
Ese comienzo con un hombre fumando ensoñadoramente en el rincón de un bar mientras se pregunta "¿Qué es el amor?" es como el encendido de la memoria, y así es como se desarrolla el corto, como una serie de retazos y situaciones sin diálogos que evocan respuestas antagónicas. Este conjunto de secuencias tienen una banda sonora muy evocadora y retrata a personas en distintos lugares del mundo sumidos en la fiebre o la pérdida del amor. Las localizaciones nos hablan de la universalidad de este sentimiento (las escenas tienen lugar en Berlín, Londres, Madrid, San Lorenzo del Escorial o Tokio) y de cómo, esta sociedad hipertecnológica de las redes sociales no solamente no ha acercado a las personas sino que las ha aislado: la escena de una pareja ante la misma estantería del supermercado, ignorándose mutuamente mientras buscan contactos en Tinder es de una ironía bien amarga.
Alberto Mielgo es ilustrador y director artístico en el campo de la animación; pero también pintor con un estilo muy reconocible que plasma en todos sus trabajos. De hecho cada fotograma, con su iluminación y sus fondos, parece delineado como si de un lienzo se tratase.
La bellísima canción que acompaña los últimos minutos del corto (Podríamos estar muertos mañana, de Soko) resume perfectamente los sentimientos que nos provocan estas historias: la oportunidad de sumergirnos en el milagro del amor ante las miserias en las que nos enfangamos. "Ama...", susurra entre el humo de su cigarrillo el hombre de la cafetería, antes de que llegue la muerte y solo te queden los recuerdos.
La mezcla de estas secuencias y su ritmo de amor, desamor, pérdida y hasta suicidio, la plasticidad de los dibujos y una canción maravillosamente evocadora hace que esta pequeña joya nos llegue al corazón.
He aquí algunos cuadros de Alberto Mielgo, donde se puede apreciar su característico estilo:
________________________________________________________________________ Nacido en Madrid en 1979, Alberto Mielgo es un autodidacta ya que, aunque comenzó los estudios de Bellas Artes, tuvo que abandonarlos antes de acabar el primer año para ganarse la vida. Del mismo modo se embarcó en este cortometraje sin saber producir animación, ya que su experiencia era como director de arte. Al tratarse de un trabajo autofinanciado lo ha venido realizando, entre trabajo y trabajo, durante los últimos ocho años.
Mielgo lleva más de dos décadas dedicado al mundo de la animación, participando en proyectos cinematográficos tan relevantes como 'La novia cadáver' de Tim Burton, 'Harry Potter y las reliquias de la Muerte' de David Yates o ´Spider-Man: Un nuevo universo´ (Oscar al mejor largo de animación en 2019); a los que hay que sumar colaboraciones con el grupo Gorillaz, el diseño de las introducciones del videojuego 'The Beatles: Rock Band' y la dirección de arte de la serie de televisión 'Tron: La resistencia', gracias a la cual obtuvo un premio Emmy. También consiguió otro Emy por el proyecto de Netflix 'Amor, Muerte y Robots' (‘Love, Death & Robots’), en el que participó con su episodio ‘The Wittness’.
Fuga narra la historia de Sara, una recién llegada al Conservatorio de Santa Cecilia (patrona de la música), donde "descubrirá dramáticamente que existen más formas de interpretar cada lado del prisma desde el que percibe su realidad y su talento". La banda sonora de la película corre a cargo del compositor y director de orquesta malagueño Arturo Díez Boscovich y está interpretada por la Orquesta Filarmónica de Málaga. El proyecto se gestó en 2009 a raíz de una conversación entre el director y el compositor, con la intención de crear una obra con un marcado sentido operístico, carente de diálogos y con la música sinfónica como principal hilo conductor para arrastrarnos mejor a través de los vaivenes emocionales de esta joven violinista. Esta perfecta conjunción entre música e imágenes es lo más potente del corto. Sus violines y contrapuntos mezclados con una animación muy expresionista, que mezcla modernas técnicas 3D con imagen real, nos introducen muy poéticamente en el tormentoso mundo interior de Sara.
Es interesante apreciar la contraposición del término musical "fuga" (reiteración del tema principal por cada una de las voces o instrumentos) con el desarrollo de la historia.
El corto ha recorrido los Festivales de todo el mundo ganando más de 17 premios nacionales e internacionales. 2012: Festival de Sitges: Mejor cortometraje de animación 2012: Festival de Málaga de Cine Español: Mejor corto de animación 2012: Festival Internacional de Animación Mundos Digitales: Mejor corto nacional 2012: Premio Jerry Goldsmith a la Mejor banda sonora
Este cortometraje he recibido más de 11 premios internacionales incluido el Oscar de 1999. Es una adaptación de la novela homónima de Ernest Hemingway y fue la primera película de animación estrenada en cines IMAX.
A pesar de que la novela es muy conocida y ha tenido numerosas versiones, esta nueva adaptación tiene un enorme valor por su elaborado proceso de creación y su excelsa calidad artística. Cada fotograma es como un óleo que cobrara vida. Petrov utilizaba los dedos para pintar porque los pinceles le "distanciaban" de su obra, según decía. Así que la película fue elaborada esparciendo el óleo sobre un cristal con sus propios dedos, como si cada fotograma fuera un enorme lienzo. Tal es la calidad de cada "cuadro" que se puede hablar de "pinturas en movimiento".
La calidez de los colores, la luminosidad de los contrastres y la expresividad conseguida con esta técnica de animación hacen de este corto una obra maestra.
El corto ilustra le novela corta de Hemingway que narra la lucha entre un viejo pescador y un enorme pez. Esta lucha deviene en metáfora de la vida tal y como la concebía el escritor.
Según declaró Hemingway, intentó crear "un viejo real, un joven real, un mar real, un pez real y unos tiburones reales. Pero si los hice suficientemente buenos y reales, éstos pueden significar muchas cosas."
La titánica pelea de este anciano ejemplifica la constante lucha por la supervivencia; pero en esa pelea hay una nobleza inusitada. El viejo quiere doblegar al animal -lo que es decir a la naturaleza toda- pero a la vez su respeto por él es enorme. De hecho considera al pez su hermano.
Otro asunto que vislumbramos se refiere a los ciclos naturales. El joven que acompaña al viejo aprende de él y se convertirá en su relevo natural. La fuerza del joven tiene un hilo transmisor con la sabiduría y la experiencia del viejo.
Petrov se trasladó en 1995 al Pascal Blais Studio de Canadá, donde empezó a preparar el proyecto, cuyos trabajos se iniciaron en 1997. Dada la técnica artesanal -animación basada en pinturas al óleo pastel sobre vidrio- Aleksandr Petrov necesitó la ayuda de su hijo Dimitri. Petrov utilizaba la punta de los dedos, además de diversas brochas para pintar sobre diferentes láminas de vidrio colocadas en múltiples niveles. Cada una de ellas estaba cubierta de pinturas al aceite de secado lento. El proceso se completaba fotografiando cada cuadro pintado.
El formato de cada fotograma era cuatro veces más grande que el usual A4. Se pintaron más de 29.000 cuadros.
Otras obras suyas con ese estilo tan personal son La criada (1997) sobre un relato de Alexander Pushkin; El sueño de un hombre ridículo (1992) basado en una obra de Fiodor Dostoievski; y finalmente otra maravilla titulada My Love (2006)
Como un cómic de ciencia ficción animado y vibrante, este corto te traslada a un futuro supertecnológico donde un hacker acompañado por su perro, ayuda en una evasión.
Se tratar de rescatar a Benjamin, un joven retenido en un laboratorio secreto donde investigan sus habilidades sobrehumanas. De dibujo claro y diseño estilizado; los seis minutos que dura destilan adrenalina, son trepidantes y deliciosamente gores.
Premiado en numerosos festivales, PostHuman, te sumerge en un mundo y una aventura perfectamente definidos con unas pocas pero muy precisas pinceladas. A disfrutar.
